“光脱离了一切物质形式，神秘地在无垠的空间中运动。”——沃尔夫林

“光闪烁在你的枝头，万物的

脸庞显得灿烂而又高傲。

只能在黄昏，它们才会发现你。

耀眼的时刻，敏感的空间

笼罩着众人的头脑和双手，

他们在哪里安身，神奇都会唤起虔诚。”——里尔克

“光之语——雷双艺术展”展览现场

光不仅使万物生长，也使人有了活着的信仰。对生命如此，对绘画亦然。2019年5月2日下午四时，“光之语——雷双艺术展”在北京嘉德艺术中心开幕。此次展览也是嘉德艺术中心在2019年春季的首展，展览展出艺术家雷双自90年代初期至今各个时期的代表作品。艺术批评家夏可君担任展览的策展人，他希望通过“光”这一主题，来展现雷双作品中的内在精神。一位浸润着诗性的女艺术家，把光的意蕴在绘画中书写，讲述着她半生的背负。

诗性的绘画

虽然“花”是女性艺术中的常客，花绽放、美丽，却又短暂；既敏感，又易被雨水摧残。而雷双作品中的花之意象部分出自里尔克的诗。“看那些花，多么忠于地上的一切，我们正是在命运的边界把命运借给它们。但是谁知道呢！如果它们哀叹它们的凋零，也许我们就该成为它们的哀叹。”她从花的命运中发现了与自身的共鸣。梵高的向日葵就如莫扎特的乐曲一样充满阳光与香气，并且我们无法从中体会艺术家在现实境遇中的坎坷。雷双也用到了“葵”之意象，葵是追光者，而光却不常有，无光可追的葵如何生存？雷双用她的绘画行动做出了回答。

雷双《我的名字叫红》布面油彩 180x312cm 2008-2009

其实，中国传统美学和绘画意境中，不常表现冲突与苦难。而对“反思”的表达却是西方后现代艺术的热门议题。雷双对艺术语言的探索，融入自身对生命的体验，使得作品里中国传统的文人气十足，同时又在悲剧性的气氛中给观众留下开放的思考，将传统意象与当代艺术语言融为一体。

生命之光

油画的洒脱，不同于水墨的虚薄空寂，而在喷薄中显现为力量。光，无定形，弥漫。《有光系列——荷之波》与 “光寂”展现了光的两种生存方式。当黑暗的深渊让人无法凝视，当明亮已化作缝隙，光在奔逃、缠绕、挣扎，但它仍像一把刀子撕破长夜；当白昼到来，当宇宙又陷入混沌，玄色的巨浪奔腾于天地之间，这又何尝不是一种光？光是舒展、是自由、每一个毛孔都向外喷薄，枝繁叶茂。

策展人夏可君在接受采访时表示：“绘画的秘密，是光的秘密。能够让人类心灵中的光来到绘画之中，这是雷双本次展览中最大的贡献，过去30年的绘画实践中她能够把葵花的内在坚韧、勇气之光，把荷花低垂、柔软的诗性之光，把玫瑰生命叹咏的光和宇宙的光寂全部整合在她的作品之上。雷双第一次把天、地、人、神的光聚集在作品里，其语言能够在抽象与自然之间、具象与表现之间、在诗性与抽象之间展示自己独有的灵性张力，体现出罕见的生命品质。在‘光寂’系列中，她把宇宙遥远的信息与中国的太极图式结合起来，展现出一种未来之光“。

艺术史学者曹星原女士谈到雷双绘画中的“光”时说： “我们所熟知的西方绘画中的光属于人造光，是一种技术手段，而雷双笔下的光则是一种内心的光，这种光超越了语言的描述，而直通我们每个人的心灵。她把自己的经历与喜怒哀乐化作一种光芒放射出来，因此这种光也是人生的顿悟之光”。

褶皱和展开

雷双的作品看似感性、梦幻，其实充满哲思。但这种哲思并非理性的思辨，而是在创作之中的自由展现，正如雷双所说：“我不在绘画中思考，我在绘画中生存”。 “褶皱或展开”系列其实背后隐藏着德勒兹的哲学概念，褶皱（fold）也可译作“折叠”，象征着开合、动静、一与多这些对立概念的转换。与早期作品以红色为基调相比，她从敏感的哀叹走向深邃。她并不觉得人们对作品的多样解读有什么不妥，相反，她认为：“观众的感受其实也是作品的一部分”。

里尔克说：“我们的任务是将这个暂时的、朽坏的尘世深深地、忍受着并且充满激情地刻印在我们心中，以使其精髓在我们身上“无形地”复活。我们是采撷这些无形者们的蜜蜂。”光是世界上最轻的东西，可谁曾想过，艺术家走过的岁月里，有多少生命不能承受之重？

展览中，将近30年的艺术足迹历历在目，雷双说：“我在绘画中冒险，不断尝试，这是推动我艺术的潜力"。光是如此无形、多变、柔软；光是方向，光在与暗夜的搏斗中，展现着自由生命的交响。光引导着理想主义者，给他们以力量，艺术家用她走过半个多世纪的心灵风景告诉观者，与其说她正追逐着光，不如说她已在绘画中化身为光，描绘着沧桑，却饱含希望。

据悉，展览将持续至2019年5月9日。（部分图片由嘉德艺术中心提供）