展览介绍

　日本森美术馆策展人椿玲子对于温?沛的创作脉络有着清晰客观地判断，自2013年在普瑞特艺术学院（PrattInstitute）求学期间开始发表作品至今，“早期作品直接描绘现实存在的地方，这些作品让人联想起20世纪初期由尤金·阿杰特（Jean-EugèneAtget）拍摄的巴黎城市规划的纪录照片，以及写实描绘纽约闹市区和劳动阶层生活的阿什坎学派的爱德华·霍普（EdwardHopper）的风俗画。从2014年开始作品的空间开始抽象化，油画布的形状也按照图像变成了竖向长形。2017年以后，绘画的内容则由现实世界转变为互联网世界的空间，甚至是艺术家想象中诞生的空间。艺术家将两个不同的空间大胆并置于同一画面之中，逐渐发展出现在抽象与具象共存的表现形式。”

　　温?沛在创作中，也会通过借助iPad将两个不同的空间并置在一个绘画之中形成构图，并制作出一系列“通过并置产生的风景”。在《1/2风景》中，我们会看到艺术家试图以画面中线为起点，并置两个截然不同的景观，以创造一种似真的幻像。画面左半部分为一个平视的建筑的内部空间，黄色的分割结构线右边连接的是一面倾斜的墙面，透过墙面看到的是俯视的水面、开凿的山体与人造工程，画面的空间被尽量压缩，只保持微弱的前后感。这很可能源自于其自身生活中的真实体验：自然不再是纯粹的自然，而是与人类活动相伴出现的。这也是城市人观察自然的常见视角：空间观念愈发扁平化，无论与自然的距离有多近，前面总会有“人造物”相隔。这是一种生活在网络世界中的城市人的“自然观”。而温一沛的绘画中这些拼贴/并置的构造，或许也正是这位还很年轻的艺术家作为互联网世界的一份子所特有的理解世界的方法。

　　在2019年完成的《迫近的山地》、《反射的风景》和《被挤压的城市风景》等新作中，温一沛开始更为关注于建筑与风景之间的关系。通过将建筑结构与自然风景并置、杂糅在一个空间中以创造一个表现形式去探讨人造空间与自然空间之间的相互关系。毫无疑问，艺术家在通过形式和色彩语言的运用中，同时预设和虚置了一个观者语境，为此不惜剔除细节干扰，纯化色彩元素。以期通过由形式到观念的隐晦显现，带领观众进入笼罩在表象场景之中的心理空间。就此，温一沛似乎通过绘画为媒介为观者建立了一个隐秘的心理剧场，令观者的情感可以沉浸其中，而这也意味着艺术家个人化意识与创作实践的自给。

　　温一沛的绘画可以说是在“抽象与具像”，“平面与幻像”之间游走、游戏的图像。艺术家始终对“抽象”和“具象”均保持着足够警惕的态度，也或者是对概念的犹疑，使他的绘画实践总在既有因素和关系中寻找到平衡与疏离，进而呈现出那些介于有形与无形之间的事物。形象在画面中被处理到近于几何化的程度，与具象的现实场景建立了距离。同时，基于极端简化之后的形状则人为弥合并丰富了去具象后空缺出的凝视与想象空间。实际上，温一沛通过对形象的形状化以及对空间的平面化处理，巧妙地从概念中解放了图像，使我们能从画面中感受到依稀可触的存在与温度，并同时在保留了图像可读性的前提下绕开了纯粹形式的漩涡。正如森美术馆策展人椿玲子所言：“画作里屡次登场的半球形的巨大的电灯或被抽象化的圆形人工光源，实际上来自于艺术家居住在纽约时着迷过的同款电灯。在人工的光源之下，被具象化描绘的自然更加活跃了。在这样的冷漠气氛中，感受到一丝的寂寥或许是为了让人想起自然特有的永恒，及与之相对的，人类文明的虚幻。”